Sultans of Swing - Sultanes del swing

Sientes un escalofrío en la oscuridad
Llueve en el parque, pero mientras tanto 
Al sur del río haces un alto y todo se detiene
 Una banda toca Dixie al compás dos por cuatro 
Te sientes bien cuando escuchas esa música
Entras, pero no ves muchas caras
 Que huyendo de la lluvia quieran bajar a oír el jazz 
Demasiada competencia, demasiados locales 
Pero muy pocas trompetas pueden sacar ese sonido 
Al sur, al sur de Londres

Presta atención a Guitar George, él conoce todos los acordes
 Observa cómo sigue el ritmo preciso y no le gusta hacerle llorar o zumbar 
Y una vieja guitarra es lo único que se puede permitir
 cuando sale bajo los focos a tocar sus temas
Y a Harry no le importa la actuación 
El tiene un trabajo de día que le gusta
 El puede tocar el honky tonk como si nada Se lo guarda para el viernes por la noche
Con los Sultanes, con los Sultanes del Swing

Y un grupo de jovencitos están incordiando en el rincón 
Bebidos y vestidos con sus mejores trajes marrones y sus zapatos de plataformas
 Les importa un bledo cualquier banda de viento 
No es precisamente lo que ellos llaman Rock and Roll 
Y los Sultanes tocaron Creole
Y luego el tipo se acerca hasta el micrófono
 Y dice, justo cuando el timbre señala el final: 
"Gracias, buenas noches, es hora ya de irse a casa" 
Y termina con una última frase:
"Somos los Sultanes del Swing"

Smoke On The Water de Deep Purple.

We all came out to Montreux
On the Lake Geneva shoreline
To make records with a mobile
We didn’t have much time

Frank Zappa and the Mothers
Were at the best place around
But some stupid with a flare gun
Burned the place to the ground

Smoke on the water, fire in the sky



They burned down the gambling hous
It died with an awful sound
Funky Claude was running in and out
Pulling kids out the ground

When it all was over
We had to find another place
But Swiss time was running out
It seemed that we would lose the race

Smoke on the water, fire in the sky

We ended up at the Grand Hotel
It was empty cold and bare
But with the Rolling truck Stones thing just outside
Making our music there
With a few red lights and a few old beds
We make a place to sweat

No matter what we get out of this
I know we’ll never forget
Smoke on the water, fire in the sky




Vinimos todos hasta Montreux,
a la orilla del Lago Generva,
a hacer unas grabaciones con una caravana móvil.

No teníamos mucho tiempo.

Frank Zappa and the Mothers
estaban en el mejor sitio.
Pero algún estúpido, con pistola de bengalas,
quemó hasta hacer cenizas el lugar.

Humo sobre el agua, fuego en el cielo.

Quemaron la casa de apuestas.
Murió con un sonido horrible.
Funky Claude entraba y salía corriendo,
sacando a los niños afuera.

Cuando todo terminó,
tuvimos que buscar otro sitio.
Pero el tiempo suizo corría deprisa.
Parecía que íbamos a perder la carrera.

Humo sobre el agua, fuego en el cielo.

Terminamos en el Grand Hotel.
Estaba vacío, frío y solitario.
Pero con el camión de los Rolling Stones aparcado fuera,
hicimos nuestra música dentro.
Con unas pocas luces rojas, y unas viejas camas,
hicimos un lugar donde trabajar duro.

No importa lo que sacamos de todo esto.
Sé que nunca lo olvidaremos.

Humo sobre el agua, fuego sobre el cielo.

Amy Winehouse

El 23 de julio de 2011 Amy Winehouse certificó su ingreso en el selecto Club de los 27. Amy reunía todas las cualidades necesarias para convertirse en figura legendaria de la música,  incluyendo ese halo maldito que acompaña frecuentemente a los más grandes: una portentosa voz, un chorro que remite a la mejor música negra; una capacidad innata para la composición; un acento muy peculiar, cokney, puro East End londinense; una imagen atractiva y original con sus largos y oscuros cabellos de peinado inverosímil y una apariencia frágil e insegura; y unos excesos con las drogas, el alcohol y las “experiencias vitales” que recuerdan irremediablemente a Jim Morrison, Janis Joplin, Robert Johnson, Jimi Hendrix o Brian Jones.

 Amy Winehouse, nació el 14 de septiembre de 1983, en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz.  Se crió en los suburbios de Southgate (norte de Londres) junto a su padre Mitchell (un conductor de taxi), quien constantemente cantaba éxitos de Frank Sinatra para la joven Amy.

 Su estilo mezcla diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el soul, jazz, R&B y rock & roll. A sus veinticuatro años, ésta joven británica es una de las estrellas más rutilantes de la música actual. Amy comenzó su carrera profesional a los dieciséis años, actuando en pequeños bares de Londres, por la zona del mercado de Camden Town. Su amigo, el cantante Tyler James, entregó un demo suyo a un productor y, así, firmó su primer contrato con la discográfica Island/Universal.
Su álbum debut, Frank, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco contenía influencias de jazz y, a excepción de dos covers, todas las canciones estaban  escritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos, quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Gray.

En 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to black.           Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista novel.
Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco que es mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul».

“Back to Black” es una puesta al día del sonido Motown.  (Motown Records, también conocida como Tamla-Motown. es una discográfica estadounidense especialmente dedicada a la música negra que consiguió en la década de los sesenta su propio sonido, «Motown Sound», que la haría única).  En él, Amy demuestra que  pese a lo evidente de sus influencias, no se trataba de una artista revival, sino que poseía voz y personalidad propias. Una extraordinaria voz, composiciones propias rebosantes de clase, y una producción que nos retrotrae a los años 60.

Su música ha supuesto una renovación del género. El álbum tiene, en temas como “Rehab” o “Addicted”, un innegable toque moderno. Eso la aleja de convertirse en una artista retro. Amy reivindica en cada entrevista a artistas como Sarah Vaughan o Minnie Ripperton, se declara fan de Liza Minelli e incluye arrebatadoras versiones de grandes intérpretes en sus shows.


“Back to Black” evoca la era de los girl groups de los 60s, de los que Amy es gran fan. 

“Adoro a las Shangri-Las, y no creo que su música fuese tan inocente como la gente cree. Ellas tienen un tema para cada etapa de una relación con un hombre. Una para cuando sólo le miras, y todavía no te atreves a hablar con él. Otra cuando empezáis a salir, otra para cuando te enamoras, y una última para cuando te rompe el corazón y quieres darle su merecido”.

Podemos encontrar esos ecos en “Me And Mr. Jones”. En “Tears dry on their own”, el single más comercial del álbum, roba el fondo de la celebérrima “Ain’t no mountain high enough”, compuesta por Ashford & Simpson y popularizada por Marvin Gaye y Tammi Terrell, para convertirlo en un irresistible canto a la supervivencia emocional.

“Cómo artista, estoy obligada a demostrar tres cosas: que no soy un fraude en directo, que sé escribir canciones, y que soy capaz de hacer buenas versiones de canciones ajenas”, declaraba Amy a la prensa británica.   Y así lo demostró en julio de 2008 en su actuación en el Rock in Río Madrid, donde con su voz y el jugueteo con su vestido amarillo llenó por  completo el escenario de Arganda del Rey.  Amy Winehouse logró que más 100 mil personas callaran para escuchar su voz.

Su sola presencia llenó un foro repleto de gente que coreaba su nombre. Un público de lo más variado: adolescentes vestidas y maquilladas a la manera de Amy y viejos nostálgicos de los grandes mitos que hicieron del suicidio, los excesos con drogas y las “experiencias vitales” un leitmotiv. Esos que cuando escuchan el nombre de Amy recuerdan irremediablemente a Jim Morrison, Janis Joplin, Jimi Hendrix o Brian Jones.

Amy cantó con su singular estilo, ese que le había convertido en leyenda viva del rock del siglo XXI, esa leyenda siempre buscando en el alcohol y las drogas una respuesta a sus múltiples ansiedades y preguntas. Esta Janis Joplin de este siglo nos regaló imágenes imborrables. Una gran copa de algo semejante al vino, unos pasos tímidos, traviesos, pícaros e inestables, por culpa esta vez del calzado de tacones kilométricos y no de sus excesos, y  la mirada perdida entre el infinito y ninguna parte… esa mirada que formaba parte de su compleja e impenetrable personalidad.



 Amy Winehouse, la artista que transformó el devenir del soul, la que logró conciliar esta música ancestral con el gran público, esta cantante y compositora de origen judío, abrió su garganta e interpretó algunos de sus éxitos con estilo impecable, voz y personalidad propias, junto a su timbre de mezzosoprano y cantante de gospel, trasfondo Gospel que siempre ha caracterizado al R&B. Una voz llena de groove (“sensación", rítmicamente expansiva, o el sentido de "swing" creado por la interacción de la música interpretada por la sección rítmica de una banda (batería, bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados)), potencia y pelotas, que es en general lo que busca cualquiera que se haya criado escuchando los discos de Etta James, Aretha Franklin o Mavis Staples.

 Fue entonces cuando los asistentes escucharon en directo las mejores canciones de sus discos Back to black y Frank.

Winehouse recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde 2007.

Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un shock por un consumo excesivo de alcohol tras un periodo de abstinencia.
Ahora que Amy Winehouse ha fallecido, siempre nos quedará en el recuerdo ese concierto que, con un cortísimo vestido amarillo y su portentosa voz y desgarro, llegando y marchándose a la carrera, ofreció en el escenario de Músicas del Mundo del rock in Río de Arganda del Rey.

Jefferson Airplane

Jefferson Airplane fue una banda estadounidense de rock surgida en la ciudad de San Francisco 

(California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD.  Posiblemente la que mejor personalizó el movimiento contracultural hippie en la América de los años 60.  Los Jefferson Airplane lideraron las posturas vitales del hippismo, establecieron en su lírica combativos y críticos postulados ideológicos en contra de las pautas de conducta sociales estadounidenses y enarbolaron la bandera de una juventud hastiada de un contexto político con el que no se sentían identificados.

 

 

El fundador del grupo fue el vocalista de 23 años Marty Balin,

La formación original estaba compuesta por: Marty Balin como cantante, Paul Kantner a la guitarra, Signe Anderson voz, Jorma Kaukonen guitarra, Jack Casady al bajo y Skip Spence a la batería.

Balin y Kantner se conocieron en el circuito de cafes country de San Francisco, a comienzos de 1965. Balin consideró que era el momento de volver a sus raíces y explorar el rock de Elvis, Jerry Lee Lewis o Little Richard. Kantner contrató a un viejo amigo, el guitarrista de blues Jorma Kaukonen. Kaukonen fue invitado a una jam session con la nueva banda, y aunque inicialmente fue reacio a unirse, aceptó después de tocar en su guitarra a través de un dispositivo de cinta en que la demora era parte del sistema de sonido utilizado por Ken Kesey en sus fiestas ácidas. El baterista Jerry Peloquin y el bajista acústico, Bob Harvey, completaron la alineación original.

Balin, luego de oír a la vocalista femenina Signe Toly Anderson en el Drinking Gourd, la invitó a formar parte del grupo como segunda cantante y co-líder. Anderson estuvo con la banda durante un año, y formó parte en el álbum debut, pero salió del grupo en octubre de 1966 tras el nacimiento de su primer hijo. Anderson abandonó el grupo y Kantner reclutó a Grace Slick.

El origen del nombre del grupo es a menudo controvertido. "Jefferson Airplane" es, en la jerga, el papel usado para la marihuana que se ha fumado demasiado como para agarrarlo sin quemarse las manos.
 Una leyenda urbana reclama que ese fue el origen del nombre de la banda, pero de acuerdo al miembro de la banda, Jorma Kaukonen, el nombre fue inventado por su amigo Steve Talbot como una parodia de los nombres típicos del blues como Blind Lemon Jefferson.

El grupo hizo su primera aparición pública como Jefferson Airplane en la noche inaugural del club Matrix el 13 de agosto de 1965. El grupo, partiendo de sus raíces folks, aprovechando la inspiración de The Beatles, The Byrds y The Lovin 'Spoonful  poco a poco fue ampliándose hacia un pop con sonidos más eléctricos.

Su primer disco fue "Takes off" (1966), trabajo que publicaron tras firmar con la RCA y conseguir un importante seguimiento popular gracias a sus directos en el Club Matrix, propiedad de Marty Balin.
Este álbum debut es un Lp de tendencias folk-rock dominado por Balin que pasó bastante inadvertido entre el público en general, aunque entraría en listas en el puesto número 128.

Tras su publicación, Spence dejaría el grupo, al igual que la vocalista Signe Anderson, quien fue sustituida por Grace Slick, antigua componente de Great Society. El lugar en la batería lo ocuparía Spencer Dryden, ex miembro de The Ashes.

Para gran regocijo del grupo, el publico y la critica quedaron prendados de este album, considerado de obligada audición para comprender la década de los 60.

El debut de Slick con la banda fue el fundamental "Surrealistic Pillow" (1967), probablemente el trabajo más famoso de los Jefferson Airplane que triunfó en sencillo gracias a dos composiciones que Grace había escrito en su época de Great Society, "Somebody to love" (número 5) y "White rabbit" (número 8).

Este disco abrazó texturas psicodélicas sin perder bases folk-rock, convirtiéndose en una de las obras más clásicas del período lisérgico con sus materias sobre drogas y hedonismo sexual.

La espléndida voz de Grace Slick y las composiciones más complejas y maduras les llevaron a ocupar puestos de privilegio en el box office americano.
Publicado en febrero de 1967, el álbum entró en el ranking de Billboard el 25 de marzo y permaneció allí durante más de un año, llegando hasta el puesto Nº 3.
Junto a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "Forever Changes" de Love, se lo considera, en general, como uno de los álbumes seminales del "Verano del Amor".

El nombre de Almohada Surrealista fue sugerido por el "productor misterioso" del álbum, Jerry García, líder de Grateful Dead, cuando mencionó que, en su totalidad, el álbum suena "como una almohada surrealista".


Si bien la RCA (la discográfica) no reconoce a García  suficiente aportación al álbum como para acreditarlo como "productor", aparece en los créditos del album como "asesor espiritual".

El número de miembros de Jefferson Airplane se mantuvo relativamente estable entre 1967 y 1970. Durante ese período se registraron cinco álbumes y tocaron más que nada en los EE.UU. y Europa. El grupo, declarado por los própios miembros, sufrió una importante transformación después de Surrealistic Pillow. Las influencias clave sobre la nueva dirección del grupo fueron la popularidad y el éxito de Jimi Hendrix y el supergrupo británico, Cream, que llevó a Jefferson Airplane (como muchos otros grupos) a adoptar un sonido más 'pesado' y poner un mayor énfasis en la improvisación.

 

El tercer LP, After Bathing at Baxter's, fue lanzado el 27 de noviembre de 1967 .Grabado durante un período de más de cuatro meses,  el nuevo álbum manifiesta el creciente compromiso del grupo con el rock psicodélico.

Este nuevo disco estaba dominado por largas suites conectadas entre sí y una pista ("A Small Package of Value Will Come To You Shortly") que es un collage sónico inspirado en el álbum de Frank Zappa, "Freak Out!".

El disco también marcó la ascendencia de Kantner y Slick como los principales compositores de la banda y el declive de la influencia y participación de su fundador Marty Balin que, entre otras razones, está cada vez más desencantado con la actitud de la banda frente a los nuevos éxitos comerciales.

La banda realizó su primera gira por Europa entre mediados y fines de 1968, tocando junto a The Doors en Holanda, Inglaterra, Bélgica, Alemania y Suecia. En un famoso incidente en un concierto en Ámsterdam, mientras que Jefferson estaba tocando "Plastic Fantastic Lover", el cantante de The Doors, Jim Morrison, aparentemente drogado por el hachís que un fan le había proporcionado, apareció en el escenario y comenzó a bailar. Como el grupo comenzó a tocar más y más rápidamente, Morrison giró salvajemente hasta que finalmente perdió el conocimiento y cayó en los pies de Marty Balin(Morrison fue incapaz de realizar su actuación con su banda y fue hospitalizado mientras que el tecladista Ray Manzarek se vio obligado a cantar las canciones).

Tras el directo "Bless It's pointed little head" (1969) Jefferson Airplane editó otro de sus Lps importantes, "Volunteers" (1969), álbum muy politizado con la guerra del Vietnam revoloteando en el ambiente.
El disco es un estupendo trabajo que contó con la participación del famoso pianista y conocido músico de sesión Nicky Hopkins.
Las combativas letras del álbum que provocaron enfrentamientos con los gerifaltes de la RCA no menoscabaron finalmente el potencial de la obra, que consiguió subir hasta el puesto 13 en listas de ventas.

En diciembre, la banda toco en el recital gratuito de Altamont en la ciudad de California. Esto convirtió a la banda en una de las más icónicas de la década ya que pudo tocar en los 3 festivales más importantes de todos.
Encabezado y organizado por The Rolling Stones, el concierto se vio empañado por la violencia. Marty Balin fue golpeado durante un enfrentamiento con miembros de los Hells Angels que habían sido contratados para actuar como "seguridad". El evento se hizo notorio por el ahora famoso "Gimme Shelter Incident": el fatal apuñalamiento de Meredith Hunter, un adolescente negro, delante del escenario por uno de los Hells Angels, después de que Hunter sacara un revólver durante la actuación los Stones (Este incidente fue la pieza central de la película documental Gimme Shelter.)

Sus actuaciones en Woodstock y Altamont culminaron una década revolucionaria a nivel social y cultural en la que el grupo tomó parte activa.
Por esa época, Jorma Kaukonen y Jack Cassidy formaron un grupo paralelo al que denominaron Hot Tuna. El grupo comenzó como un dúo, con breves actuaciones antes de los conciertos de Jefferson Airplane, pero a lo largo de los próximos meses otros miembros de la banda, así como músicos externos a ella (entre ellos Joey Covington), a menudo se sumaban a las actuaciones de Hot Tuna.

Spencer Dryden dejó la banda en febrero de 1970, agotado por cuatro años de giras y conciertos pero por sobre todo, profundamente desilusionado por los acontecimientos de Altamont.
La marcha del batería Spencer Dryden, que fue sustituído por Joey Convington (compañero de Kaukonen y Casady en Hot Tuna) y la llegada del violinista Papa John Creach trajeron nuevos aires al grupo.

Kantner publicó el disco "Blows against the empire" (1970) bajo el nombre de Paul Kantner and the Jefferson Starship, un trabajo que le reportó estimables ventas y aceptables resultados críticos.
Paul Kantner y Grace Slick, que formaban pareja sentimental, fueron perdiendo interés por la banda como conjunto mientas que Marty Balin abandonó el grupo y la pareja Kaukonen y Casady se involucraron más en su nuevo proyecto, Hot Tuna.

El co-fundador y cantante Marty Balin decidió abandonar al grupo oficialmente en marzo de 1971 después de meses de aislamiento de los demás. Al haberse sentido profundamente afectado por la muerte de su amiga Janis Joplin, había comenzado a aplicar un estilo de vida más saludable; Balin comenzó con un estudio de yoga y la abstención de las drogas y el alcohol, por ende, se distanció de los demás miembros del grupo, cuya prodigiosa ingesta de drogas continuó.

Había permanecido como parte de la banda en vivo, pero la dirección creativa del grupo había ido alejándose de las canciones de amor en las que él se especializaba. El grupo se estaba dividiendo cada vez más entre Kantner/Slick y Kaukonen/Casady.
Incluso después de la salida de Balin, importantes diferencias creativas y personales persistieron entre Slick y Kantner por un lado, y Kaukonen y Casady, por el otro (la canción de Jorma Kaukonen, "Third Week In The Chelsea", de Bark, son crónicas de los pensamientos que él mismo estaba teniendo sobre dejar la banda). Estos problemas se ven agravados por el aumento del consumo de   drogas
 -especialmente el alcoholismo de Slick- que causó que la banda sufriera graves problemas internos.

La banda permaneció unida el tiempo suficiente para un disco más, titulado "Long John Silver", que comenzó en abril de 1972 y salió en julio. Por este tiempo los distintos miembros también participan con sus diversos proyectos en solitario.
"Bark" (1971), "Long John Silver" (1972) y el directo "Thirty seconds over winterland" (1973) fueron Lps de escasa entidad publicados en su propio sello Grunt; la desilusión del conjunto y estos melifluos trabajos provocaron la separación final de Jefferson Airplane.

En el segundo disco tocaba la batería el antiguo componente de los Turtles John Barbata, quien había entrado en el grupo tras la marcha de Covington. Otra de las incorporaciones fue el cantante David Freiberg, ex miembro de Quicksilver Messenger Service.

Posteriores entradas y salidas en la banda y el cambio de nombre a Jefferson Starship y Starship continuó la senda de un grupo que ya distaba mucho de los primeros y esenciales Jefferson Airplane, quienes se reunieron en 1989 para grabar y girar de nuevo aunque con escasa repercusión.

Penguin Cafe Orchestra

La Penguin Cafe Orchestra fue una unión libre de músicos encabezada por el guitarrista clásico y compositor Simon Jeffes.

Simon Jeffes nació en Sussex, Inglaterra el 19 de Febrero de 1.949, y murió en este mismo país el 11 de Diciembre de 1.997 de un tumor cerebral.

Después de pasar una pequeña estancia en Canadá y recorrer Europa (cosa que influyó mucho en su composición multicultural), regresa a Inglaterra y a la edad de 12 años comienza a estudiar  guitarra clásica, piano, y teoría musical, estudiando en la Politécnica de Chiswick con la intención de seguir su formación en un centro superior.

 Desengañado con la formación académica que se impartía en esa época, decide dejar sus estudios y dedicarse a la experimentación, trabajando la música étnica, y trabajando con varios grupos y artistas de éxito de aquellos años (como los Sex Pistols).

También comprobó las limitaciones de cualquier intento de hacer evolucionar el rock.

También comprobó las limitaciones de cualquier intento de hacer evolucionar el rock.

El nacimiento del nombre de la Pengüin orquesta es más que curioso: en el año 1.972 Jeffes se encontraba en el sur de Francia. Un día Simon comió pescado en mal estado en un restaurante de la costa, y a consecuencia del envenenamiento pasó varios días en estado semicomatoso. Estuvo varios días en cama, febril y alucinando.

En sus extraños sueños vio una especie de edificio donde se sucedían extrañas escenas de lo más pintoresco y cuyo propietario sería él. La más recurrente de las fantasías con las que el cerebro de Simon Jeffes jugaba era que el hotel donde se hallaba alojado el músico estaba poblado por pingüinos en vez de por seres humanos. Todos, empleados y turistas, eran pingüinos tiesos y circunspectos que vestían ropas en consonancia con los diferentes roles que desempeñaban en el establecimiento: maleteros, recepcionistas, camareros... y en calidad de clientes, se encontraban allí familias con niños, parejas, jubilados...

 Los pingüinos iban y venían en silencio, mientras de fondo se oían extrañas melodías que Simon Jeffes nunca había oído antes, repetidas como un hilo musical que funcionara ininterrumpidamente y a todas horas en los diferentes espacios del hotel.

Era un mundo sin alma. Un no-lugar. Un edificio de hormigón en el que cada habitación era vigilada por un ojo electrónico. En un cuarto, alguien miraba al espejo. En otra habitación, una pareja hacía el amor pero sin quererse. Y un compositor escuchaba música con auriculares. Todo era gris, anónimo. Era la completa desolación.

Al día siguiente, Jeffes se restableció. Y la mejoría le permitió bajar a la playa.

Mientras tomaba el sol, tuvo un "flash" de esas alucinaciones, que incluía esa visión de un hotel donde la gente estaba alienada y buscaba la felicidad de manera egoísta; y una frase absurda: "Soy el propietario del café Pingüino. Te diré cosas al azar".

El significado de Café no se corresponde con el de un bar, sino con el de un sitio donde la comunicación y el pensamiento fluyen libremente y no hay barreras de ningún tipo.

Y, de alguna manera, según Jeffes, descubrió las armonías y peculiaridades de este tipo de música que se convertiría en su estandarte.

Una vez recuperado y de vuelta a Londres, Jeffes comenzó a trabajar sobre aquellas músicas que sonaran en su cabeza durante los días de enfermedad.

 

 A poco reunió un grupo de excelentes músicos, la mayoría como él con amplia experiencia en clásica y jazz, y se lanzó a componer armonías que mezclaban la música culta y la tradicional, el jazz, el pop y los aires latinoamericanos. Era una música de belleza difícil de describir pero fácil de interiorizar, suave, relajante e intimista. El grupo, en realidad una especie de orquesta de cámara contemporánea, se llamó Penguin Café Orchestra y a la música que proponía Jeffes se la etiquetó como "minimalista", movimiento de moda en los años 70 con el que en realidad Penguin Café Orchestra tenía poco en común.

La Penguin aportó frescura y saber hacer a un panorama musical cuyo dominio se repartía entre el rock y el folk, y en el que el minimalismo solo logró hacer mella durante un corto tiempo. La banda de Jeffes sin embargo, duró un cuarto de siglo, y sólo desapareció cuando un tumor cerebral fulminante mató a su creador y líder en 1997.

 Decía Simon Jeffes, en una entrevista de La Vanguardia en 1994, que la Penguin Café Orchestra había nacido del placer y vivía por la necesidad de dar placer.

Jeffes consideraba a la Penguin una formación abierta en la que los músicos venían y se iban, y casi nunca repetían. Una aproximación a la música que, en su opinión, permitía una enorme libertad y una sana democracia. Para poder tocar obras tan deliciosas como ‘Music for a found harmonium’, ‘Preludes & yodels’, ‘Perpetuum mobile’, ‘Southern Jukebox Music’ o la popular ‘Telephone and rubber band’, basada en la inconfundible señal de un teléfono inglés.

Junto a Helen Liebmann (cello), Gavyn Wright (violín), Steve Nye (teclados), la voz de éste último y de Emily Young en un par de temas (quien, por cierto, es la que ha dibujado todas las portadas de los álbunes) y el propio Simon Jeffes a la guitarra eléctrica nació “Music from the Penguin Cafe” en el año 1.974.

Penguin Café Orchestra no grabó muchos discos, pero dejó una pieza fundamental: When in Rome, un recopilatorio de temas que incluye algunos grabados en directo. Gracias a este disco podemos apreciar que la Penguin sonaba tan bien en directo como en estudio, algo al alcance de muy pocos grupos de la época. Un elemento importante de esta banda son los títulos de los temas, guiños surrealistas y humorísticos que en algún caso resultan francamente divertidos: Music for helicopter pilots, Telephone and rubber band, Music for a found harmonium ...

Su primer disco, "Music from the penguin cafe", desvelaba a un grupo prometedor, pero de maduración de un estilo particular. Siempre buscando las vanguardias, Jeffes creó un mundo utópico en el que creyó Brian Eno cuando publicó su primer disco para su sello Obscure Records.

 El segundo, publicado en principio por EG Records (sello británico independiente que publicó música de King Crimson o Brian Eno, entre otros) en 1981, retomado posteriormente por Virgin Records, es posiblemente el más completo de todos, donde la orquesta encontró su sonido característico, el de la creatividad sin reglas fijas, huyendo de la comercialidad (lo cual paradójicamente les hizo comerciales) pero también de la vanguardia absoluta y por supuesto de los círculos de la New Age.

Los músicos escogidos por Jeffes para su orquesta eran de lo más selecto, los instrumentos desde violines, oboes y cellos hasta ukeleles, órganos, guitarras y sonidos pregrabados, que otorgan un pequeño toque eléctrico en esa enorme capacidad acústica.

Muchos otros admiraron a Simon, un personaje genial y carismático que nos dejó en diciembre de 1997 víctima de un tumor cerebral, pero su legado continúa vivo en los cinco discos básicos de la Pengüin Café Orchestra.

Béla Fleck And The Flecktones

Nacido y criado en la ciudad de Nueva York el 10 de julio de 1958. Recibió el nombre de Béla en homenaje a Béla Bartók.
  Béla Fleck comenzó su carrera musical tocando la guitarra. Comenzó a tocar el banjo cuando era sólo un adolescente, a los 15 años, después de haber sido impresionado por la música bluegrass de Flatt & Scruggs.

Flatt & Scrugss fue uno de los grupos más exitosos y el más reverenciado en el tradicional bluegrass. A Scruggs se debe el desarrollo del “estilo Scruggs” de tocar el banjo, estilo que predomina en el  bluegrass hasta el día de hoy.

Los sonidos de los bluegrass Flatt & Scruggs  quedan grabados en el cerebro del joven Bela, que queda enganchado al estilo del banjo de Earl Scruggs. "Fue como chispas sonando en mi cabeza", dijo más tarde.

Su abuelo le compró un banjo en septiembre del 73, y el instrumento se convirtió en su pasión a tiempo completo. Ese mes, Béla entró en la Escuela Superior de Música y Arte de la ciudad de Nueva York. Comenzó sus estudios tocando la trompa, pero pronto fue relegado al coro, por su falta de aptitud musical.

 Como el banjo no era una materia impartida en la Escuela, Béla buscó lecciones a través de fuentes externas: Erik Darling, Marc Horowitz, y el banjo renegado Trischka Tony, experimentando además con el jazz bebop.
Durante este periodo neoyorquino Bela se une a su primera banda,  "Wicker Creek", y vive influenciado por una amplia variedad de estilos musicales.
Varios meses después de la escuela secundaria, Béla se trasladó a Boston donde continuó sus exploraciones en el jazz, grabó dos discos con Licks Sabroso, y,  a los 19 años de edad, grabó su primer álbum en solitario, en Rounder Records.

Después de la ruptura de Licks Sabroso, Béla pasó un verano en las calles de Boston tocando con el bajista, Mark Schatz.




En 1981, Béla fue invitado a unirse a la banda de bluegrass progresivo Nueva Grass Revival, dirigida por Sam Bush en la mandolina, violín y voz.

Con la incorporación de Pat Flynn en la guitarra y el veterano John Cowan en bajo y voz, Nueva Grass Revival condujo la música bluegrass a nuevos límites. A lo largo de cinco discos, NGR descubrieron un territorio nuevo con su mezcla de bluegrass, rock y música country.

New Grass Revival – Telluride Bluegrass Festival – Telluride, CO – June 18, 1988
Sam Bush        Mandolin, Fiddle
Bela Fleck        Banjo
John Cowan        Bass
Pat Flynn        Guitar

Durante los 9 años que Béla pasó con NGR siguió grabando una serie de álbumes en solitario, incluyendo el innovador álbum de 1988 "Drive". También colaboró ​​con Sam Bush, Douglas Jerry, Edgar Meyer y Mark O'Connor en una acústica súper grupo llamado “la Unión hace la Fuerza”.

A finales de 1989 formó The Flecktones, banda que lanzó su primer álbum en 1990. La banda se formó en 1988, inicialmente para presentarse en la serie de la PBS, Lonesome Pine Specials.

 Hacia el final de los años de “Hierba Nueva”, Béla y Howard Levy se encontraron en el Festival de Folk de Winipeg.

Después llegó una llamada telefónica de un amigo que quería presentarle a un bajista increíble, Victor Wooten Lemonte.
Al grupo todavía le faltaba un baterista. Se inició la búsqueda de un bateria/percusionista. Victor ofreció a su hermano Roy Wooten, quien luego sería conocido como Futureman. Roy fue el artífice del desarrollo de la Drumitar (Drum - Guitarra), una especie de guitarra que usa un sintetizador para emitir sonidos percusivos, que permite a Futureman  tocar la batería con los dedos.

Los hermanos Victor Wooten y Roy "Future Man" Wooten forman la sección rítmica de la banda.

Tras la formación de la banda vino el CD homónimo, Béla Fleck And The Flecktones, que Béla financia. La grabación atrajo la atención de la gente de Warner Brothers Records. Fue lanzado en 1990,  mezcla de jazz y bluegrass, y pronto se convirtió en un disco de éxito comercial.

El álbum fue nominado al Grammy, y su segundo disco "Flight of the Hippo Cósmico" siguieron el mismo camino. Los Flecktones se lanzaron a una serie de giras hasta el final de 1992.


Después de varios años como un trío y una gira con invitados especiales, el saxofonista  Jeff Coffin (Jeff Ataúd) se unió al grupo.





Han compartido el escenario con Dave Mathews Band, Sting, Bonnie Raitt y los Grateful Dead, entre muchos otros.
A pesar de los álbumes de The Flecktones primero fueron creados en vivo, en el estudio el grupo pasó a experimentar con doblajes y artistas invitados en discos posteriores, con contribuciones de artistas tan diversos como Chick Corea, Bruce Hornsby, Branford Marsalis, John Medeski, Andy Statman, el Grupo de Alash y Dave Matthews.

En 2006 la banda lanzó la tierra oculta, The Hidden Land, que ganó el Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo en 2007.
La banda tuvo un receso que duró un año en el 2005, durante ese tiempo los miembros estuvieron de gira de forma independiente. Se reunieron nuevamente y comenzaron a ofrecer conciertos en el 2006.

En 2006 Chick Corea y Bela Fleck se juntaron y grabaron The Enchantment (Concord Records, 2007), donde el jazz y el bluegrass se mezclaron en un innovador estilo de sonido. Se trata de un trabajo extraño, creativo, y hasta -por momentos- difícil de escuchar por la complejidad de sus armonías.

 El 30 de septiembre del 2008, la banda lanzó Jingle all the Way, su nuevo álbum navideño. El álbum recibió buenas críticas así como una nominación a los premios Grammy y una nominación para el 2009.
Fleck ha recibido nominaciones a los Grammy por realizaciones en las categorías de jazz, bluegrass, pop, gospel, clásica y country. Hasta la fecha, es el único artista en recibir nominaciones en tal variedad de categorías. Bela Fleck and the Flecktones usan bluegrass, fusión de jazz ó cualquier otro estilo que capture sus intereses. La banda deja su música abierta a la inspiración y recientemente han incorporado diversos instrumentos provenientes de África.

Algunos de los premios Grammy que han recibido son: en 1995 el premio por mejor espectáculo de música country instrumental(Best Country Instrumental performance); en 1996 por mejor espectáculo de música pop instrumental (Best Pop Instrumental performance);en 1998 por mejor composición instrumental; en el 2000 por mejor álbum de jazz; en 2001 por mejor arreglo instrumental; en el 2006 por mejor álbum de jazz contemporáneo; en 2008 por el mejor álbum pop instrumental. Debido a que la música de los Flecktones adopta diferentes estilos, es dificil clasificar a la banda en una sola categoría musical.
Los Flecktones están actualmente de gira (con el teclista y armoniquista, Howard Levy, que tuvo aparición en los primeros tres álbumes de la banda)  bajo el nombre de Béla Fleck and the Original Flecktones (Bela Fleck y los Flecktones originales).

Discografía:

• Béla Fleck and the Flecktones (1990)
• Nominación Grammy, Álbum de Jazz
• Flight of the Cosmic Hippo (1991)
• No. 1, U.S. jazz charts
• Nominación Grammy, Álbum de Jazz
• UFO Tofu (1992)
• Three Flew Over the Cuckoo's Nest (1993)
• Live Art (1996)
• Left Of Cool (1998)
• Greatest Hits of the 20th Century (1999)
• Outbound (2000)
• Live at the Quick (2002)
• Live at the Quick (DVD, 2002)
• Little Worlds (2003)
• Ten From Little Worlds (2003)
• The Hidden Land (2006)
• Jingle All the Way (2008)
• Rocket Science (2011)

Steppenwolf

El escritor Herman Hesse se convirtió en un icono literario para la contracultura americana y los jóvenes hippies de los años 60 con obras como “Siddartha”, “Demian” o “El lobo estepario”, textos sobre búsqueda de identidad y espiritualidad.

El último título (“Steppenwolf”) fue el nombre que utilizó John Kay para bautizar a su banda en el año 1967.

Kay (de nombre real Joachin Fritz Krauledat) nació el 12 de abril de 1944 en Tilsit, una localidad ubicada en Alemania del Este.

 
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda)  huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. 

Amante del rock’n’roll y el blues que escuchaba en las radios de las bases militares estadounidenses, en su adolescencia emigró a Canadá, en 1958, para residir en Toronto, ciudad en la que comenzó a introducirse en el mundillo musical formando parte de varios grupos. El más importante fue un conjunto de psicodelia y blues-rock denominado The Sparrow.  

Steppenwolf tiene sus orígenes en  esa banda de blues de Toronto, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville.

En 1967, la banda se afincó en la cuna del rock, los Estados Unidos, actuando en locales de Nueva York, San Francisco (donde comenzaron a tocar música folk), y Los Ángeles.

.Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock, convirtiéndoles en Steppenwolf.

 El grupo, influenciado por bandas que aunaban rock, psicodelia y blues-rock, como Cream o la Jimi Hendrix Experience, consiguió un contrato discográfico con RCA-Dunhill, publicando en 1967 su primer sencillo, “A girl I knew”.

 Posteriormente aparecieron “Sookie Sookie” (número 91) y “Born to be wild”. Este último tema causó sensación en 1968 y se convirtió en todo un himno de la contracultura americana y en uno de los precursores del hard rock, con su palpitante intensidad instrumental y vocal. Además fue la primera vez que en una letra de un texto de rock aparecía el término “heavy metal”.El término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild.

La canción alcanzó altos puestos en la lista de ventas estadounidense (número 2), siendo utilizada por el director y actor Dennis Hopper para su título de culto “Easy Rider”, una película que el propio Hopper co-protagonizaba con Peter Fonda y Jack Nicholson.

Aunque el principal compositor del grupo era su líder, John Kay, “Born to be wild” fue escrita por un antiguo miembro de los Sparrow, Dennis Edmonton (hermano de Jerry), conocido en esta época por su seudónimo Mars Bonfire.

Estos tres singles estaban incluidos en su LP debut, “Steppenwolf” (1968), un estupendo y pionero álbum precursor del hard rock que incluía homenajes a maestros como Chuck Berry, Muddy Waters o Willie Dixon.

Entre las piezas propias, además de “Born to be wild”, destacan cortes como “Your wall’s too hide”, “Everybody’s next one”, “The Ostrich” o “Desperation”. Otro de sus temas más conocidos es la adaptación de “The Pusher”, una canción antidroga escrita por el cantante de country Hoyt Axton.

En 1968 publicaron su segundo disco grande, “Steppenwolf The Second” (1968), un trabajo que incluía otro hit en single, el tema psicodélico “Magic Carpet Ride” (número 3), escrito por Kay y el antiguo bajista Rushton Moreve que presentaba una lisérgica combinación de instrumentos con distinción para los teclados de McJohn.

El acid rock y el blues volvían a ser los protagonistas de esta brillante colección de canciones (número 3 en ventas de Lps), como “Don’t step on the grass, Sam”, “None of your doing” o “28”.

“At your birthday party” (1969) fue su tercer álbum. Un disco (número 7) menos satisfactorio que sus dos anteriores entregas, pero disfrutable, en el cual las tendencias rock se hacían más patentes.
El single “Rock me”, con el sonido en las cuatro cuerdas del bajista Nick St Nicholas, es el tema más conocido del LP y a pesar de no alcanzar la ventas de “Born to be wild” y “Magic carpet ride”, logró colocarse en el top 10 del Billboard.

“Monster” (1969) es uno de sus mejores trabajos. Este disco, en el cual aparecía el nuevo guitarrista Larry Byrom, reflejaba la tendencia política de la incisiva escritura de John Kay, incentivada por el contexto de la guerra del Vietnam.

 En 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.

Después del directo “Live” (1970), Steppenwolf grabaron uno de sus LPs más laureados, “Steppenwolf 7” (1970), en donde daban rienda suelta a su admirable instrumentación blues-rock con temas como “Foggy Mental Breakdown”, “Forty days and forty nights” o “Ball Crusher”. Para la grabación del disco se había añadido a la formación el bajista George Biondo.

La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. 

El cantante debutó en solitario con “Forgotten Songs & Unsung Heroes” (1972).

En 1974 Steppenwolf retornaron con “Slow Flux” (1974), ahora con la guitarra líder de Bobby Cochran. El álbum pasó bastante inadvertido al igual que “Hour of the wolf” (1975) y “Skullduggery” (1976), discos grabados en Epic de escasa trascendencia en su momento. Se volvieron a disolver en 1976.

 Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito.

Tras una nueva ruptura a mediados de los 80 John Kay volvió a resucitar Steppenwolf. John Kay formó una nueva versión de la banda, John Kay and Steppenwolf, con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990), pero sus nuevos trabajos se alejaron de la relevancia mostrada en su primera etapa.

En 2001 publicó un disco en solitario.

Grateful Dead

Festivas ceremonias llenas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal.

Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de The Grateful Dead, una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60.

Grateful Dead (también conocidos entre sus seguidores como "The Dead") fue un grupo de rock y folk estadounidense influido por la psicodelia.

Creado en 1965 por integrantes de otro grupo, Mother McCree's Uptown Jug Champions, los componentes de la banda, provenían de diversas formaciones. 

El cantante y guitarrista Jerry García (nacido el 1 de agosto de 1942 en San Francisco) era un fanático del bluegrass, rock & roll y el folk, que practicaba en la localidad de Palo Alto desde comienzos de los años 60 en el grupo The Wildwood Boys, en el cual estaba Robert Hunter, quien se convertiría en el habitual letrista de sus temas.

En 1962 The Wildwood Boys cambiarían su nombre al de The Hart Valley Drifters.

Por otro lado, Ron McKernan, más conocido como "Pigpen" (nacido el 8 de septiembre de 1946 en San Bruno), era un teclista que junto al batería Bill Kreutzmann (nacido el 7 de abril de 1946 en Palo Alto) tocaban en un conjunto denominado The Zodiacks.

 PigPen y Kreutzmann conocieron a García y decidieron unirse al grupo de Jerry, haciéndose llamar Mother McCree's Uptown Jug Champions, banda a la cual se incorporó el guitarra rítmico Bob Weir (nacido el 16 de octubre de 1947 en San Francisco), un músico que en esos momentos solía interpretar canciones folk en diferentes locales de la ciudad de Frisco. 

Grateful Dead se dieron a conocer gracias a su estilo de composición único y ecléctico - sus influencias musicales variaron ampliamente basándose en la música psicodélica de la época, combinándola con blues, jazz, rock and roll y bluegrass – y por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones.

. Estas distintas influencias fueron destiladas en un todo diverso y psicodélico que convirtió a Grateful Dead en "los padrinos pioneros del mundo de las bandas de improvisación (jambands)".

 Grateful Dead se convirtió en la banda residente de facto de los Merry Pranksters (Bromistas Alegres) de Ken Kesey, con su sonido primerizo altamente influenciado por los Acid Tests ('Tests de Ácido') empapados de LSD de Kesey, así como por el R&B.

Algunos de los fans del grupo les siguieron de concierto en concierto durante años. Estos seguidores, denominados "Deadheads" ('cabezas muertas'), fueron conocidos por su dedicación a la música del grupo. 

Grateful Dead comenzaron su carrera en Palo Alto, California, con el nombre de The Warlocks (Los Brujos); nombre que tuvieron que cambiar para conseguir un contrato discográfico debido a que otra banda (como dato interesante, se trataba de la futura The Velvet Underground) estaba ya grabando bajo ese nombre. Finalmente se trasladaron a la zona de Haight-Ashbury, en San Francisco.

Muchas bandas de esta zona, como Jefferson Airplane, Big Brother and the Holding Company y Santana, llegaron a la fama nacional, dándole a San Francisco la imagen de capital de la contracultura hippie de la época. De todas estas bandas, los componentes de Grateful Dead eran los que gozaban del más alto nivel musical, incluyendo a Jerry García a la guitarra y banjo, el músico de blues "Pigpen" McKernan en harmónica y órgano, el bajista Phil Lesh (proveniente de la música clásica) y Bill Kreutzmann a la batería, pesadamente influído por el jazz. Grateful Dead personificaba "todos los elementos de la escena de San Francisco y llegaron, consecuentemente, a ser los representantes de la contracultura en el resto de su país".

El nombre "Grateful Dead" ('Muertos Agradecidos') fue escogido aleatoriamente de un diccionario. Algunos dicen que fue un Funk & Wagnalls, otros un Oxford Dictionary, pero citando la biografía de Phil Lesh (pág. 62) "...Jer (Garcia) tomó un viejo Britannica World Language Dictionary [...] (y) [...] con aquella voz élfica plateada me dijo, 'Eh, COMPA, qué tal the Grateful Dead?'"

Grateful Dead se formó en la época en la que grupos como los Beatles y los Rolling Stones dominaban el panorama musical. La estrella consolidada de la escena de folk Bob Dylan había editado recientemente un par de grabaciones de instrumentación eléctrica. 

Los componentes de Grateful Dead han mencionado que fue tras acudir a un concierto del grupo neoyorkino de "folk-rock" The Lovin' Spoonful que decidieron "pasarse a la eléctrica". Gradualmente, muchos de los músicos de folk de la costa este americana, se estaban decantando hacia la eléctrica. Era natural que Jerry García y Bob Weir, que estuvieron inmersos en el revival de la música folk americana de finales de los 50 y principios de los 60, estuvieran abiertos a las guitarras eléctricas. Pero la música de Dead era también distinta en esencia de la de grupos como Dylan, Byrds o los Spoonful, en parte porque su socio musical Phil Lesh procedía de un entorno de escuela clásica y electrónica, mientras que Ron "Pigpen" McKernan era un profundo amante incondicional del blues profundo y el batería Bill Kreutzmann procedía del jazz.

Escuchando su primer LP (The Grateful Dead, Warner Brothers, 1967), se percibe que fue grabado sólo unos años después de la moda de la "surfing music", en la cuál el sonido del rock de California se rezumaba.

La música primeriza de Grateful Dead (a mediados de los 60) fue parte del proceso del establecimiento de lo que fue la "música psicodélica", pero la suya era en esencia una versión "callejera" y "cruda" de ésta. Esto era natural, puesto que tocaban en fiestas psicodélicas, eventos en parques al aire libre, y fiestas privadas en Haight-Ashbury. Dead no tendían a encajar su música en un estilo determinado como el pop, rock, blues, folk rock o country/western. En conjunto, su música se inspiró en todos estos géneros y más, con frecuencia mezclando varios de ellos.

 A menudo (tanto en directo como en grabaciones) Dead dejaban lugar a escapadas musicales exploratorias, espaciales, una forma de psicodelia que estaría a medio camino entre extraña y exóticamente bella. Muchos entendidos creen que el auténtico espíritu de Grateful Dead no solía quedar bien captado en estudio.

Las grabaciones más antiguas reflejaban el repertorio en directo de Dead –jams instrumentales largas con solos de guitarra de Garcia, ejemplificadas perfectamente en "Dark Star"– pero en ausencia de la energía de las actuaciones, no obtuvieron muchas ventas.

El álbum en directo Live/Dead de 1969 capturó más de su esencia, pero el éxito comercial no les llegó hasta Workingman's Dead y American Beauty, ambos publicados en 1970. Estas grabaciones ofrecían más respaldo acústico y estructuras de canciones tradicionales.

En 1971 Hart había dejado el grupo (volvería en 1974) y un año después el que se incorporó a la banda fue Keith Godchaux, teclista que sustituyó a un enganchado al alcohol Pigpen, quien terminaría falleciendo un año después.

Junto a Keith, se unió al grupo en tareas vocales su esposa, Donna Godchaux.

En su propio sello publicaron "Wake of the flood" (1973), un meritorio album de tendencias jazz y sobresaliente comportamiento en ventas.

El aceptable "The Grateful Dead From The Mars Hotel" (1974) y el notable "Blues for the Allah" (1975) son el preludio de discos en estudio de escasa entidad y poca definición como "Terrapin Station" (1977), "Shakedown Street" (1978) o "Go to heaven" (1980).

Tras este Lp, y al margen de sus actuaciones y grabaciones en directo, los Dead, como grupo y sin contar con sus carreras en solitario y demás proyectos anexos, no volverían a grabar otro disco hasta finales de la década de los 80.

Sus legendarios conciertos continuaron hasta que en 1992 García sufre otra indisposición derivada de su adicción.

Tres años después, el 9 de agosto de 1995, fallecería de un ataque al corazón, poniendo punto y final a su vida y a la de The Grateful Dead.

Aunque renegaba bastante de ello, Jerry García era el líder indiscutible de la banda y su razón de ser. García era un personaje carismático, complejo, que simultaneaba la composición y ejecución de gran resonancia de su música con una vida personal a menudo autodestructiva, llena de excesos, drogas, fracasos financieros y tres matrimonios fatalmente fracasados.

Las tragedias en su infancia, junto con el impacto de las drogas y la fama,  forjaron una personalidad única, bicéfala y sin raíces. Lo mejor, su voluntad para experimentar e improvisar que hace de su música una perspectiva e inventiva única y brutal. En su peor cara, especialmente hacia el final de su vida, la frustración y presión de mantener Grateful Dead a flote en su constante actuar y tocar en directo, que le llevó a un comportamiento autodestructivo, catártico que contribuyó a su prematuro final, a la edad de 53 años en un centro de desintoxicación.

Tras la muerte de Jerry García en agosto de 1995 lo restantes componentes de la banda decidieron disolverla.